Diomedes Díaz es considerado por muchos como el mejor cantante e intérprete vallenato de todos los tiempos. Sin duda, formó parte de la época de oro de este género, tiempo en el que también destacaron otros cantantes y agrupaciones, como El Binomio de Oro, Miguel Morales y Los Diablitos, Los Chiches del Vallenato, Otto Serge, Jorge Oñate, entre otros, que con su estilo particular hicieron escuela tanto en el vallenato tradicional como en nuevas apuestas para el género.

Surgir y distinguirse en medio de tanto talento y competencia era difícil, pero Diomedes lo logró y alcanzó un éxito indudable e inigualable, tanto a nivel nacional como internacional, a lo largo de sus 38 años de carrera artística.

Dada la importancia de este peculiar personaje para el folclor vallenato, hemos querido indagar sobre la fórmula de su éxito, y para ello contamos con los valiosos aportes del profesor Juan Guillermo Villarreal, quien forma parte de la planta docente del programa de Estudios Musicales de la Universidad Central, y de José David Rodríguez, alumno del mismo programa, percusionista destacado y quien actualmente también estudia Dirección de Orquestas en la prestigiosa O`Academy.

El Cacique de La Junta, como también se le conoce a Diomedes Díaz, tuvo como músico dos facetas claves en su carrera: la de cantante e intérprete y la de autor. En total, escribió 183 canciones, muchas de las cuales fueron interpretadas por otros cantantes vallenatos, en cuyas voces tuvieron reconocimiento y éxito, y muchas otras formaron parte de los álbumes de su historia musical. En este último grupo destacan temas como "Bonita" (Oye bonita), "Cantando", "Te necesito", "Mi muchacho", "Brindo con el alma", "Mi ahijado", "Un canto celestial", "Mi primera cana", y "26 de mayo", esta última compuesta en conmemoración de su cumpleaños.

Para el profesor Juan Guillermo Villarreal, “en ambas fue relevante, pero como intérprete marcó un estilo y una época”. Y es que el nivel interpretativo de Diomedes es inigualable: ponía en cada palabra el tono y énfasis justo y adecuado para llegar al alma del oyente. Sus canciones estaban impregnadas de emoción y sentimiento, características que estuvieron presentes en sus grabaciones, en sus presentaciones en vivo y en los shows musicales para la radio y la televisión en los que participó.

Diomedes sentía y vivía cada canción, dejaba el alma en cada interpretación y así se lo transmitía a su público. Temas como Sin medir distancia, Tú eres la reina, Amarte más no pude, El culpable fui yo y El cóndor herido son ejemplos de ello.

Diomedes fue un juglar, digno representante del vallenato clásico o tradicional que hablaba de vivencias del día a día, pero también incursionó en el vallenato romántico, ese que roba suspiros y enamora. En uno u otro caso, la esencia emotiva de sus temas e interpretaciones fue el sello distintivo de Diomedes. Como lo expresa José David Rodríguez, “el carácter emocional y profundo de sus letras e interpretaciones lo distinguió de otros cantantes vallenatos de su época”.

De hecho, aunque algunos de sus hijos que siguieron su camino en la música tenían un timbre similar al suyo, las características de su interpretación permitían reconocer la voz del padre.  

No solo su nivel interpretativo lo diferenció de otros cantantes, también lo hicieron sus cualidades vocales. Al respeto, esto comenta el profesor Villarreal:

“Diomedes fue un cantante muy versátil, dotado de una calidad vocal sin precedentes para su género. Tenía muy buena afinación y un rango vocal muy amplio, es decir, podría cantar notas graves y agudas sin problema”.

En cuanto a su estilo musical, el profesor Villarreal explica:

“Los artistas de su época buscaban influencia en otros géneros para lograr entrar a los mercados internacionales, él no necesitó hacerlo: representaba un vallenato arraigado a lo rural, muy campesino, apegado a las raíces del género”, y con ese estilo triunfó.

De otro lado, parte de su éxito se debió a la excelente selección de sus acordeoneros, a quienes les exigía calidad en todo momento. A su lado brillaron Juancho Rois, Colacho Mendoza, el Cocha Molina, Iván Zuleta, Franco Argüelles, Juancho de la Espriella e Iván López.

“Se acompañó de los más influyentes y virtuosos intérpretes de este instrumento de su tiempo, músicos que dejaron un legado y establecieron los parámetros de cómo se debe interpretar el acordeón”, explica el profesor Villarreal.

Por su parte, José David encuentra otro rasgo que hizo la diferencia: su origen humilde.

“Diomedes no tuvo un músculo financiero o económico que lo impulsara en la música. Él surgió desde abajo, por eso fue y es considerado un cantante del pueblo. Siempre fue enfático en que empezó desde abajó y escaló en la música gracias a su talento”, comenta José David. Esa conexión con su pueblo se mantuvo desde sus inicios en la música hasta el final de su vida.

El profesor Villarreal y José David coinciden en que el gran legado de Diomedes fue su sentida interpretación de cada tema cantado. Pocos como él en este género musical. Pero su herencia también se encuentra en la defensa del folclor vallenato; al respecto, José David comenta:

“Diomedes quería mantener la tradición vallenata, el estilo clásico; eso lo convirtió en uno de los grandes exponentes del vallenato de la vieja guardia. Además, criticaba a los cantantes del género cuyas presentaciones se centraban en el show y no en la música”.

Aun así, Diomedes apoyó en sus inicios a otro gran autor, compositor e intérprete vallenato, parte de la nueva ola del género: el gran Kaleth Morales.

Diomedes fue un artista que en sus letras plasmó una cultura y una época, y eso también es parte de su legado:

“Aunque muchos de sus temas hoy en día son considerados machistas, hay que tener en cuenta que en el contexto social y cultural de su tiempo no eran vistos así, solo eran la representación de su entorno, cuya existencia no podemos negar. Sus canciones muestran el tipo de vivencias de entonces”, explica José David.

La calidad de su música, la exigencia que demandaba a sus músicos y la entrega a su fanaticada son asimismo recuerdos de su herencia.

Para José David Rodríguez, hay temas de Diomedes muy conocidos en el ámbito nacional, como Amarte más no pude. Sin embargo, a nivel internacional hay una canción que, cuando suena, representa e identifica al colombiano: "Tu cumpleaños"; en palabras de José David, “si se canta en el exterior, se sabe que hay un colombiano de por medio”.

Por su parte, para el profesor Villarreal, esta es una pregunta muy complicada de responder.

“Creo que Diomedes tiene muchas épocas en su carrera interpretativa, lo cual nos presenta muchas canciones que fueron exitosas. Creo que la mejor manera de catalogar las canciones de este artista es examinar cuáles han sido sus grandes éxitos y la acogida de sus canciones, temas como Tú eres la reina (que no fue compuesta por él) y Ese muchacho (de su autoría) son ejemplo de ello”, comenta el docente.

El 26 de mayo de 1957 nació Diomedes Díaz, quien falleció el 22 de diciembre de 2013. Más allá de su vida personal, hoy lo recordamos como el gran músico que fue, el excelente cantante, el promisorio autor y el inigualable intérprete vallenato. Sabemos que, pese a su partida, sus melodías lo seguirán acercando eternamente a sus seguidores “sin medir distancia”.

Edith López
Coordinación de Comunicaciones
Bogotá, D. C., 26 de mayo de 2022
Imágenes: Foto tomada de @diomedesdiaz

El pasado 5 de diciembre de 2023 el Ministerio de las Culturas, las Artes y los Saberes entregó los Premios Nacionales de Cultura. En esta ocasión fueron reconocidos 18 colombianas y colombianos que destacaron en distintas categorías. Entre los ganadores destacó María Fernanda Garzón, egresada de la Maestría en Creación Literaria de la Universidad Central, quien recibió el Premio Nacional de Libro de Poesía Inédito Escrito por Mujeres, con su poemario Ruido blanco.

Sobre su libro Ruido blanco

El poemario Ruido blanco nace como resultado de exploraciones artísticas de dos años continuos en el que la autora, en compañía de su esposo y editor, Miguel Ángel Capador, decidió volver a la exploración artística análoga y plasmar su rutina nocturna. “Comencé a escribir a máquina todo lo que sucedía en mi casa, la vida con mi esposo y mis dos gatos que empezaban su mayor actividad en horas de la noche. Empecé a tomar fotografías, a grabar sonidos, a percibir la luz que se colaba por la ventana. Todo lo plasmé en estas hojas”.

Garzón asegura que para ella es de vital importancia la creación experimental desde lo análogo, por eso desde que empezó a utilizar su máquina de escribir el error empezó a tomar una fuerza única en sus poemas: “El cuerpo tiene una influencia muy grande en este tipo de escritura porque no se puede volver y ajustar el error que es parte fundamental de mi exploración artística”.

Cuando María Fernanda terminó su libro Ruido Blanco, tomó la decisión de revisar estos relatos y organizarlos, editarlos y, finalmente, postularse en la convocatoria del Ministerio de Cultura con la que ganó su primer reconocimiento.

María Fernanda está gratamente sorprendida con este reconocimiento que finalmente es una ventana de exposición ante nuevas formas de escritura.

María Fernanda Garzón y la literatura

Empezó a escribir desde los siete años, momento en el que decidió iniciar su formación literaria, lo que la llevó a construir las bases de su futuro como comunicadora social y ahora una gran poeta.

Sin embargo, este tipo de escritura no la dejaba expresarse como realmente quería pues no podía dejar sobre el papel sus pensamientos sobre la vida. “Comencé a escribir mis diarios y mis cartas. En 2018 inicié mi Maestría en Creación Literaria en la Universidad Central y me fui por la poesía para plasmar mi percepción del mundo”. 

Orgullosa egresada centralista

María Fernanda explica que decidió estudiar en la Universidad Central por las buenas referencias de la Maestría en Creación Literaria y su experiencia personal cuando cursó el Taller de Escritores de la Universidad Central (TEUC) con el autor Isaías Peña Gutiérrez. “En los primeros semestres vi una materia con María Paz Guerrero y quedé encantada, ella tiene una forma de desatar lo poético dentro de cada persona rompiendo el lenguaje que está estructurado y preconcebido” afirmó.

La poeta asegura que estudiar en la Universidad Central es algo único porque la Maestría en Creación Literaria está muy bien estructurada y hay un gran acompañamiento por parte de los profesores. “Es un lugar maravilloso para encontrarse con uno mismo, buscar caminos diferentes para llegar a las letras y conocer referentes literarios. Este es un espacio de construcción colectiva para explorar y encontrar otras formas en la palabra”.

Squirt, su primer libro

Garzón publicó su primer libro Squirt con una editorial independiente y quiere que Ruido blanco siga por esa misma línea creativa. “El trabajo es más personalizado con este tipo de editoriales. Quiero un trabajo individual para Ruido blanco, que la forma del poemario corresponda a su escritura desde la portada… que sea una entrada a mi casa en la noche”.

Diana García
Máster Central
Bogotá, D. C., 22 de enero de 2024
Imágenes: cortesía Maria Fernanda Garzón

El mundo del cine ha sido testigo de una transformación sin precedentes gracias al avance vertiginoso de la inteligencia artificial (IA). Desde efectos visuales sorprendentes hasta la creación de personajes digitales indistinguibles de los reales, la IA está dejando una marca indeleble en la industria cinematográfica. Esta revolución no sólo ha impulsado la creatividad de los cineastas, sino que también ha planteado preguntas profundas sobre el ámbito del arte y aún más desde el cine.

Una de las áreas donde la IA ha dejado una huella profunda es en la creación de efectos visuales. Gracias a algoritmos de aprendizaje automático, los estudios de cine pueden generar paisajes detallados, criaturas fantásticas y secuencias asombrosas de una manera más rápida y realista. Esto ha permitido a los directores llevar sus visiones a la pantalla grande con un nivel de detalle sin precedentes.

Aunque el término “inteligencia artificial” ha tomado fuerza en el último tiempo, es preciso aclarar que no es una novedad. Andrés Mossos, profesor centralista del programa de Cine, afirma que esta herramienta ha estado presente desde hace unos 40 o 50 años, pero sin lugar a dudas se ha potenciado de una manera increíble.

“Esto no es algo nuevo, y desde mucho tiempo atrás ha tenido muchos procesos. De hecho, los algoritmos de la IA se hacen populares en los años 70, y en los 90 ya se trabajaban bastante. Lo que pasa es que en el presente se fortaleció por la capacidad computacional, lo que ha vuelto a la IA una herramienta aún más poderosa e interesante”.

Frente a este panorama, no se puede dejar de pensar en los trabajadores de la industria. Teniendo en cuenta que la IA optimiza y acelera procesos de una manera casi impecable, surge un gran interrogante: ¿qué tan en riesgo están los empleados que conforman la cadena de la industria del cine?

El docente se refiere a este tema como uno de los grandes desafíos del séptimo arte frente a la IA. “El desafío más grande es saber cómo utilizar la inteligencia artificial en pro de mejorar procesos y no de eliminar puestos de trabajos. La IA sigue siendo una herramienta que se encuentra en constante aprendizaje, es decir entre más se use más evoluciona.

Sin embargo, junto con todas las posibilidades emocionantes que ofrece la IA en el cine, también surgen preguntas importantes sobre su impacto en la creatividad y la originalidad. ¿Hasta qué punto la automatización de procesos creativos puede afectar la singularidad de una obra cinematográfica? ¿Estamos en riesgo de perder la magia del cine por culpa de algoritmos y datos? Estas son cuestiones que los cineastas y amantes del cine siguen explorando en este nuevo capítulo de la historia cinematográfica.

Así las cosas, la IA ya está entre nosotros. Por eso, la misión es saber controlar esta ‘bola de nieve’: “Se abre un debate fuerte en cuanto a la propiedad intelectual y patrimonial, además del derecho de imagen. El reto es que los juristas, las empresas y el medio encuentren el punto de acuerdo para llegar a una conclusión que beneficie a todos”, asegura Mossos.

En última instancia, la influencia de la inteligencia artificial en el cine es innegable y está transformando la forma en que se crea, se produce y se siente el arte cinematográfico. A medida que continuamos explorando las posibilidades de esta tecnología, es crucial mantener un equilibrio entre la innovación y la preservación de la esencia.

Jesús Granados Espeleta
Máster Central
Bogotá, D. C., 12 de febrero de 2024
Imágenes: Freepik

La Feria del Libro de Barrancabermeja, Felibar, Déjame leer en paz, en su quinta edición, abordará el tema: Ciénagas, ecosistemas dialógicos para la paz y la resiliencia en el Magdalena Medio. En el marco de este evento estará presente La palabra en el espacio, el semillero de investigación-creación en escrituras expandidas de la Universidad Central.

Valentina Bonil, poeta y collagista; Gina Buitrago, slammer, poeta y cuentera; Ximena Martínez, artista multidisciplinar e investigadora; Natalia Díaz Morales, artista multidisciplinar y gestora cultural; Ana María Suárez, escritora y editora, y Daniela Zuluaga, poeta y creadora, participarán con dos presentaciones culturales: Narración oral: el espejo de la ciénaga e Instalación interactiva: sígueme la corriente, así como con el taller teórico-práctico Tejido vivo: somos río.

A través del programa de Creación Literaria, la maestra Liliana Moreno Muñoz creó una línea de investigación con nuevas metodologías desde las escrituras expandidas. Esta línea ha entrado en diálogo con otras instituciones, colectivos artísticos y creativas, propiciando espacios como el Festival anual de Escrituras Expandidas y Experimentales La palabra en el espacio y el Laboratorio Distrital de Escrituras Expandidas, entre otros.

Desde el 2017, el programa de Creación Literaria adelanta procesos pedagógicos sobre creación expandida con diferentes públicos y formatos. Desde el 2022, se organiza el Festival de Escrituras Expandidas y Experimentales La palabra en el espacio, un evento de dos días que tiene como propósito visibilizar y fortalecer el incipiente movimiento de las escrituras expandidas en Latinoamérica.

Máster Central
Bogotá, D. C., 30 de julio de 2024
Imágenes: Máster Central

Makerspace Editorial, semillero de investigación y creación del programa de Creación Literaria de la Universidad Central, presentó el pasado 8 de junio, en el Fondo de Cultura Económica, el libro-objeto La selva inexistente, una compilación de elementos en torno al libro La vorágine, del colombiano José Eustasio Rivera.

La idea de este producto surgió luego de la visita de Elena Traina, investigadora y escritora italiana, quien durante el proceso de investigación para su doctorado en Escritura Creativas visitó la Universidad Central el pasado mes de abril y, a partir de entrevistas y conversaciones con distintos docentes del programa, conoció el trabajo de Makerspace Editorial.

Sin embargo, el semillero de investigación lleva la idea más allá y, con el apoyo de Macedonio Editores (colectivo conformado por estudiantes y egresados de Creación Literaria), propuso más que un poemario: un libro-objeto en el que tuvieran un espacio tanto el material literario, como el registro fotográfico de distintas partes del país y la creación y colección de souvenirs, también elaborados por Elena, a fin de reunirse y dialogar, tal como ella lo hace con la obra de Rivera.

Lo artesanal es característico en “La selva inexistente”, desde el encuadernado, hasta los objetos que acompañan el poemario.

Un trabajo a muchas manos

Este objeto-libro comprende el poemario inédito, que teje las palabras de la autora con citas de La vorágine, 39 postales acompañadas de didascalias escritas a mano por la autora, una carta de Elena dirigida a uno de los personajes de la novela que crea un juego metaliterario y tres objetos elaborados manualmente con la ayuda del semillero: una muñeca quitapenas, un sobre de té y una moneda, que dialogan con los poemas y textos narrativos, todo contenido en una caja que, vista desde adentro es, también, el mapa de Bogotá.

De los proyectos desarrollados por Makerspace Editorial, La selva inexistente es uno de los que más ha permitido explotar distintas técnicas de edición tanto literaria como artística, toda vez que acude a la encuadernación artesanal, el grabado sobre linóleo, las postales, la impresión a varias tintas para diferenciar las palabras de Traina de las de Rivera –aun cuando todas componían un mismo texto– y el trabajo con troqueles, texturas y sellos.

Uno de los primeros ejemplares de este libro-objeto se encuentra en el espacio del semillero, accesible para quien lo desee disfrutar, y se constituye en un bello homenaje con motivo de la celebración de los cien años de publicación de esta obra.

Semillero Makerspace Editorial - Programa de Creación Literaria
Escuela de Artes
Bogotá, D. C., 7 de julio de 2024
Imágenes: cortesía programa de Creación Literaria

Con diciembre, nos sumergimos en el periodo navideño, en el estallido de sus luces, en el estrépito de su música. Disponemos, luego de un largo año de estudio y trabajo, de tiempo para compartir en familia, para echar la vista atrás con satisfacción, para proyectar los deseos de futuro y para descansar de las ocupaciones cotidianas.

Además de cantar villancicos y dejarnos seducir por los buñuelos y la natilla —infaltables de toda mesa colombiana tradicional—, tenemos el tiempo y la oportunidad de disfrutar de otras actividades, como recostarnos en el sofá de nuestra casa y abrir las páginas de los libros, fieles compañeros, para adentrarnos en el espectáculo sin par de sus mundos posibles.

Este año, la escritora francesa Annie Ernaux recibió el Premio Nobel de Literatura de manos de la Academia Sueca por "el coraje y la agudeza clínica con la que descubre las raíces, los extrañamientos y las restricciones colectivas de la memoria personal". Nuestra primera lectura recomendada, Pura pasión (2019), es un ejemplo de la mirada escrupulosa y obstinada de la autora sobre la vida misma. La voz de la mujer que guía la novela intenta dar cuenta de la experiencia de su pasión desaforada por un hombre que ocupa sus conversaciones, sus recuerdos, sus expectativas, su realidad. Fuera de él, todo reposa en la indiferencia.

El protagonista de nuestra segunda lectura recomendada deambula entre lugares conocidos y pasajes de su memoria, llevando consigo su libreta de muertos, en la que consigna el nombre de familiares, amigos, enemigos y conocidos, a los que vio al menos una vez en persona. Su listado, que tiene inscritos 657 nombres, incrementa en número a medida en que la narración avanza y, con ella, la conversación que el protagonista, el maestro, sostiene con sus interlocutores de turno, vivos y muertos.

De Gabriel García Márquez se ha dicho de todo y lo cierto es que fue un escritor que despertó admiración profunda y sendas polémicas. Del amor y otros demonios fue escrita en abril de 1994. Nos sitúa en Cartagena de Indias y devela en Gabo el olfato que siempre caracterizó a los mejores periodistas. Pero también, a ese Gabo de prosa sensacional, inigualable, única y esplendorosa.

Del amor y otros demonios nos cuenta la historia de Sierva María de Todos los Ángeles, hija del Marqués de Casalduero y Bernarda Cabrera. Sierva, mestiza alegre y de corta edad, sufre el desprecio de su madre y paga las consecuencias durante toda su existencia. Su vida cambia para siempre luego de ser mordida por un perro, que presuntamente sufre el mal incurable de la rabia. Tras ser internada por su padre en el convento de las clarisas, la historia toma un rumbo inesperado que te dejará expectante e impresionado, y te hará dimensionar la grandeza de Gabriel García Márquez.

Cristian Fernando Roa Murillo
Elizabeth Carrillo Bohórquez
Máster Com
Bogotá, D. C., 21 de diciembre de 2022
Imágenes: Tomadas de Entérate 24, BBC Mundo y la Oreja Roja

El estudiante Santiago Flórez, del programa de Cine de la Universidad Central, fue premiado recientemente en la XIV Imaginatón, en el marco del festival de cine aficionado Bogoshorts.

Santiago se llevó el segundo puesto en la categoría profesional con su producción Recuerdos de la eternidad, un corto de un minuto en el que también participaron varios de sus compañeros de clase.

La propuesta de Bogoshorts en la Imaginatón es que quienes participen realicen un corto de máximo 70 y mínimo 50 segundos de duración en un único plano secuencia, es decir, sin que se haga ningún corte durante ese tiempo.

Los organizadores de Imaginatón exigen que se incluya la claqueta de Bogoshorts al inicio del filminuto y se haga uso de una clave. Para el 2023 esa clave fue una mano cerrada con el dedo meñique extendido en señal de “pacto” o “promesa”. Luego de la entrega de esta clave, los participantes tienen 48 horas para grabar, editar y entregar el filminuto.

“Nosotros ya veníamos trabajando un cortometraje que buscaba reflejar esa sensación del romanticismo y el amor. Cuando recibimos la clave creamos la historia de cómo una pareja quiere congelar el tiempo. Para ello hacen una promesa y congelan también a las personas que están alrededor”, explica Santiago.

Santiago ya había participado anteriormente en este y otros festivales que ha organizado la Universidad Central y en los que también fue reconocido su trabajo.

Recuerdos de la eternidad tuvo referentes, en cuanto al tratamiento del tiempo, en la película Lúa Vermella, del director español Lois Patino, mientras que el aporte romántico vino de Hiroshima Mon Amour, del ya fallecido cineasta francés Alain Resnais.

En todo el proceso participaron varios compañeros de Santiago. Alejandra Rivera se encargó de la producción, la fotografía corrió por cuenta de Juan Manuel Corredor y Pierre Bievelot asumió el sonido. Sebastián Céspedes, quien también obtuvo una mención de honor en este mismo festival, fue uno de los actores. Con él estuvieron Nicolás Zapata y Carla Losada.

Santiago considera que la participación en este tipo de festivales sirve para identificar qué está funcionando en materia audiovisual y qué no, y para saber qué tipo de historias le gustan a la gente y, de esta manera, seguir trabajando.

Dice que en la Universidad Central ha encontrado profesores que lo han ayudado mucho en su aprendizaje. Sin embargo, cree que el desarrollo profesional depende en mayor parte del mismo estudiante.

“Uno tiene la potestad de decidir hacia dónde quiere ir y cómo quiere ir de acuerdo a sus aspiraciones, pero esas aspiraciones se crean en el individuo, no en la institución que lo forma”, dice.

David Lara
Máster Central
Bogotá, D. C., 15 de abril de 2024
Imágenes: Máster Central

Desde el pasado 11 de abril de 2024, diferentes salas de cine de todo el país tienen en proyección el documental Hermanas, producido y dirigido por Paola Ochoa Betancurth, profesora del programa de Cine de la Universidad Central.

El documental ha participado en diferentes espacios y festivales. A nivel nacional recibió el premio a Mejor Ópera Prima del Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia y Mejor Largometraje Nacional en el Santander Festival Internacional de Cine Independiente. En el campo internacional obtuvo la primera mención de honor en el Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires.

Hermanas no solo es la recopilación de historias de cuatro mujeres en su edad adulta, sino también un testimonio de lo que es ser mujer en Colombia. Noticentral habló con la directora para conocer cómo se concibió esta película, el proceso que siguió hasta llegar a las salas de cine y detalles sobre su producción.

Paola Ochoa: Hermanas es una película documental sobre las mujeres de mi familia que, a partir de las conversaciones que tenemos durante unas vacaciones, retrata las reflexiones sobre la vida y el amor desde la mirada de la mujer adulta colombiana. Nació en el marco de mi tesis de maestría en fine arts en cine documental.

Inicialmente era un cortometraje, pero después de graduarme sentí que tenía más para contar. Por eso seguí grabando y desarrollando la historia. En ese proceso la película participó en distintos laboratorios y mercados y le fue muy bien, tuvo mucha retroalimentación y se fortaleció, especialmente en la parte del montaje: se conformó un equipo más grande y tuvimos la oportunidad de estar en distintos países durante el proceso de posproducción.

La película pasó por estos espacios de laboratorio en festivales muy importantes como el Visions du Réel, en Suiza; el Festival Doc Buenos Aires, en Argentina; el SANFIC, que es el festival de cine de Santiago de Chile. Ahí la película tuvo un camino importante antes de terminarse y, sobre todo, una respuesta muy positiva, ya que no era una película que resonara solo en los colombianos, sino que había personas de otros países que también se sentían identificadas con la historia. Fue muy importante entender eso en el proceso de construcción. Finalizada la película, hemos tenido un camino muy bonito con la participación en festivales hasta llegar hoy a las salas de cine.

PO: Creo que tiene que ver con las familias, las relaciones disfuncionales y los traumas, esos son asuntos universales. Las costumbres obviamente varían de país a país, pero siento que hay experiencias que trascienden, por ejemplo, hablar del amor o las relaciones de pareja. Si bien puede haber costumbres algo distintas en diferentes culturas, nos podemos ver reflejados en historias de mujeres y hombres de otros lugares.

PO: Fue un proceso muy difícil. De hecho, en algún momento del documental trataba de salir totalmente de la historia, no tener voz en off, nada, y era raro porque soy parte de la grabación, estoy ahí preguntando detrás de cámara, entonces resultaba difícil ocultar mi presencia y la relación que tengo con las protagonistas. Me di cuenta de que era importante mostrar esa relación, sobre todo para tener perspectiva luego en el montaje.

PO: Siento que es algo que fui encontrando como directora en la construcción de la película. Desde el inicio una decisión importante para mí fue tener solo a las mujeres de la familia, eso obviamente marca el resto, pero nunca sucedió que yo les dijera a mis personajes: “Esto es feminista y vamos a hablar de estos y estos temas”, para nada. Lo que hice fue tratar de capturar la cotidianidad de mi familia, pero al hacerlo me di cuenta de que había muchos temas de los que terminábamos hablando que tienen que ver con la experiencia de ser mujer y, en últimas, para mí eso se convirtió en una apuesta feminista.

PO: Siento que, en general, ha sido una experiencia muy positiva que nos ha permitido hablar como familia, compartir, sanar muchas cosas. Sin embargo, esto de llegar a las salas es algo totalmente nuevo para todas y apenas lo estamos asumiendo. Por supuesto que es impactante, y así lo han manifestado mis tías, que, de repente, salga de ese espacio privado y que otras personas puedan conocer y a partir de eso rememorar y hablar de sus familias y experiencias. Es raro, pero lo chévere y bonito de todo es que muchas personas nos comparten los recuerdos de sus propias familias, las vacaciones, las tías, las madres. Creo que ha sido muy emotiva la respuesta para todas nosotras.

PO: No creo que sea un tema de si hay más o menos mujeres que hombres. Por supuesto que sí quise tener mujeres en mi equipo porque esa falta de oportunidades en la industria audiovisual la he vivido yo y me gusta apoyar a amigas y compañeras que están en el medio. De hecho, en el montaje, que es una parte esencial en la película porque es donde se le da forma, tuve la fortuna de tener a un hombre, que fue Juan Soto. En otros cargos sí tuve participación exclusiva de mujeres, por ejemplo, en la colorización estuvo Pilar Perdomo y en el rodaje Paula Náñez. Allí sí me pareció muy importante que fuéramos solo mujeres para mantener la intimidad de las conversaciones, cosa que no habría pasado si hubiera tenido un equipo supergrande, como es común en un rodaje; hubiera sido muy disruptivo

Si hubiéramos tenido hombres quizás sería otra película. Esto sí lo cuidé mucho en el rodaje: que el equipo fuera lo más pequeño e íntimo posible. Ya en adelante el equipo más grande fue en la posproducción, ahí tuvimos una participación más equitativa. En general, lo importante es mantener la sensibilidad para la historia y conectar con esta.

PO: Es muy difícil responder porque no sé cómo se hablaba antes, pero escuchando a mis tías y viendo cómo hablo con mis amigas siento que quizás las nuevas generaciones ya no aguantan o no aceptan las cosas que no convienen en temas de pareja. Creo que esas dinámicas no son solo de las mujeres, también de los hombres. Considero que las relaciones afortunadamente han cambiado hacia algo más equitativo, eso va cambiando en el discurso.

PO: ¡Cuatro hermanas! (risas) Casi siempre los títulos que pensé para este documental llevaban la palabra “hermanas”, incluso hay una novela de Chejov titulada Las tres hermanas que no conocía y que se cruzó cuando estaba pensando el nombre.

PO: Ahora mismo es difícil proyectarme a largo plazo porque estoy viviendo, disfrutando y trabajando muy duro por este momento, pero sí quisiera seguir explorando historias de mujeres en próximas producciones. Tengo mucha curiosidad por esta perspectiva de las mujeres adultas y estoy escribiendo una nueva historia que las tiene como protagonistas. Es un interés muy fuerte que quiero seguir desarrollando.

PO: Yo empecé como profesora acá en la Universidad en 2018, primero como docente de tiempo completo durante tres años y medio y en los últimos años como profesora de cátedra en distintas asignaturas, siempre en documental, que es lo que más me apasiona y me gusta enseñar.

Uno de los fuertes de esta carrera es el enfoque. Yo tengo formación en pregrado como comunicadora social y periodista, entonces soy consciente de lo valioso que es tener un programa totalmente enfocado en el cine y además tan fuerte en esas áreas de profundización, donde los estudiantes pueden conocer todos los roles y practicarlos. Es un programa que, así como tiene ese fundamento teórico, no deja de lado la parte práctica para formar profesionales. Creo que es lo diferente y valioso.

David Lara
Máster Central
Bogotá, D. C., 11 de abril de 2024
Imágenes: Máster Central

César Wester Paul Enrique Rodríguez Zalamea, más conocido como Enrique Zalamea, reivindicó el género de terror originado en Colombia: el gótico tropical, con su novela gráfica Efraín, obra que presentó como trabajo de grado en el programa de Creación Literaria, de la Escuela de Artes de la Universidad Central. Con ella recibió mención de Tesis Laureada.

Efraín es una propuesta innovadora para la creación, no solo literaria, sino artística en general. Por un lado, explora nuevas formas de representar la violencia en Colombia. Desde el canon toma el género creado por Álvaro Mutis como “gótico tropical” y lo traduce a la forma de la novela gráfica para reunir el lenguaje verbal y el cómic en una sola propuesta; finalmente, aborda la discusión de temas complejos, como la identidad de género.

La tesis fue presentada en enero de este año por Enrique Zalamea y su profesora acompañante, Aleyda Gutiérrez Mavesoy, ante el jurado conformado por los docentes Óscar Pantoja y Sergio González.

La sustentación estuvo conformada por seis instalaciones de artes plásticas, con técnicas como escultura de yeso, pintura sobre tela e ilustración digital. Los jurados decidieron otorgarle la máxima calificación y candidatizaron la obra a la mención de “Laureada”, que la Universidad concedió en el acto de grado realizado el pasado 15 de marzo.

En la síntesis de Efraín, su autor señala: “Es febrero del año 2012, está por arrancar el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Efraín González Betancourt, un estudiante de artes escénicas de la Universidad Javeriana, se prepara para interpretar el papel de Carmilla, en la adaptación al teatro de la novela homónima de Sheridan Le Fanu. Los días transcurren entre sentirse saboteado por sus compañeros, tener cada noche más pesadillas, sufrir una disociación de la realidad y ver una doble malvada en el espejo. Después de creer que fue mordido por sus compañeros, piensa que los vampiros son reales y comienza una indagación exhaustiva sobre la verdad: la de la compañía, la del vampiro, la de la violencia en Colombia y la suya propia”.

Óscar Pantoja destacó que “como estudiante del programa de Creación Literaria ha logrado aportar una mirada diferente a los procesos de creación y sustentación con su obra, fusionando muchos géneros y lenguajes artísticos, y explorando temas poco vistos en las propuestas literarias nacionales”.

Por su parte, Sergio González considera que se trata de una novela compleja “en la medida en que confluyen en una sola obra tres aspectos importantes de la literatura: la novela gráfica, innovándola y proponiendo nuevos juegos en la perspectiva de la imagen como narradora en sí misma; el gótico tropical, un género que recoge la fórmula del gótico europeo y se apropia de ella, la pone en un contexto social y político latinoamericano, la reivindica. Y, en tercer lugar, explora nuevas formas de representar el tema de la violencia en Colombia”.

Esta obra, en opinión de la profesora Aleyda Gutiérrez Mavesoy, no sólo es la culminación de los estudios de pregrado; “es además la revelación de un talento propio para crear en la simbiosis de palabra e imagen. Efraín nos trae distintas caras de la violencia en Colombia, de las matanzas, de la violencia sexual, de la identidad, de la familia y del absurdo de las ideas cuando son ideología. Efraín es un guiño hermoso a la literatura en forma de gótico tropical y es una renovación de la novela en forma de novela gráfica”.

Verónica Pérez Traviezo
Máster Central
Bogotá, D. C., 14 de abril de 2023
Imágenes: Cortesía Enrique Zalamea

Diego Armando Peña, profesor del programa de Creación Literaria de la Universidad Central, fue ganador de la cuarta versión del concurso Nuevas Voces Literarias, que lleva a cabo la Corporación PEN Colombia, con su cuento titulado Carta a una persona sigilosa.

Peña, nacido en 1996, es un escritor bogotano que se formó en el pregrado en Creación Literaria y es candidato a magíster en Escritura Creativa de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, en Argentina. Actualmente se desempeña como profesor de la UCentral en la materia de Vanguardias artísticas y acompaña a los estudiantes de los últimos niveles de pregrado en la asignatura de Proyecto de creación. Fue ganador del Concurso de Poesía Pablo Neruda, ocupó el tercer puesto en el concurso de cuento Andrés Caicedo y fue finalista en el Concurso Internacional de Poesía Paralelo Cero.

El vínculo de Peña con la Universidad viene de vieja data: “La Universidad Central siempre ha sido mi casa. Mi padre trabajó acá como profesor, al igual que varios de mis familiares, y mi formación siempre ha sido en la línea narrativa, aunque me conocen un poco más como poeta y mis premios anteriores han sido en poesía”, dice.

Cuando se le pregunta por sus influencias literarias asegura que aunque son difìciles de ubicar pueden encontrarse en la canadiense Alice Munro, el mexicano Juan Rulfo o el estadounidense Ernest Hemingway, pero entre estas hay un lugar especial para la poesía.

El escritor y académico se enteró de la convocatoria de la Corporación PEN a través de una publicación que hizo un colega suyo en redes sociales, y aunque reconoce que los concursos para escritores sirven para “foguearse” y darse a conocer, no escribe precisamente con ese propósito, sino que, al contrario, envía escritos que ha trabajado de mucho tiempo atrás.

Carta a una persona sigilosa es un ejemplo de ello. Nació de una experiencia similar a la historia que llevó al papel cuando un vecino del conjunto residencial donde vive se quejó en repetidas ocasiones del supuesto ruido que hacía Peña, incluso en oportunidades en las que estaba durmiendo o viajando.

“Esa experiencia me dio un poco la idea, porque se trataba de un tipo un poco neurótico que no quería que lo molestaran. Reflexioné en la manera como los conjuntos cerrados nos aíslan, al punto de que hay quienes no quieren que nadie los toque. Es un aislamiento excesivo y eso era lo que buscaba indagar a través de mi texto”, puntualiza.

Como egresado centralista y actual profesor, Diego Armando Peña reconoce el excelente trabajo de la Universidad en formar escritores de calidad a través del pregrado y la Maestría en Creación Literaria, y asegura que una de las claves de ese éxito ha sido la labor de Isaías Peña con el taller de escritores y el enfoque que se le ha dado a la literatura en la Institución.

“Siendo jurado de un concurso, otro compañero, también jurado, me dijo que a los de la Universidad Central tendrían que vetarlos porque se están ganando todos los concursos y eso es verdad, si no ganan quedan segundos y cuando no quedan segundos ganan menciones”, recuerda.

Para Peña, se trata de programas muy bien hechos que hacen énfasis no solo en lo que se escribe sino también en quien lo hace.

“El pregrado y la maestría buscan guiar a quien tiene inquietudes con la literatura, no enseñar cómo se escribe, que es lo que lastimosamente he visto en otros programas. Acá te dan la oportunidad de que escribas como tú”.

David Lara
Máster Central
Bogotá, D. C., 5 de julio de 2024
Imágenes: Máster Central